El director de El final de Oak Street nos habla del origen de su nueva película y de cómo fue trabajar con un productor como J.J. Abrams. También es una oportunidad para hacer balance de su carrera, repasando películas como It Follows, El mito de la adolescencia y Lo que esconde Silver Lake.
Ocho años después del estreno de la infravalorada Lo que esconde Silver Lake, David Robert Mitchell regresa con una peculiar historia, un drama familiar que se va descubriendo como un thriller de acción y ciencia-ficción. El director nos da todas las claves.
Admito que fue una sorpresa ver tu nombre asociado a un proyecto como este, una película de ciencia-ficción a gran escala y con dinosaurios. ¿Es un proyecto propio o te lo propusieron y luego lo desarrollaste como todos tus proyectos anteriores?
La idea es mía. Todo lo que hago suele ser algo que invento o imagino. En cuanto a la magnitud del proyecto, siempre he querido hacer distintos tipos de películas a diferentes escalas. Y con esta en particular, siempre pensé que disfrutaría haciendo una que pudiera llegar a un público más amplio, pero en la que realmente creyera. Ese, en cierto modo, era el objetivo de El final de Oak Street.
¿Y cómo surgió la idea entonces?
Hace unos años, estábamos intentando sacar adelante otro proyecto. Mientras esperaba, tuve algo de tiempo libre. Un día, paseaba por nuestro barrio, un barrio normal de clase media en las afueras de Detroit. Iba caminando cuando pasé por delante del garaje de alguien. Era un garaje en un callejón bastante peculiar, con algunos cubos de basura y una especie de valla. Fue entonces cuando me imaginé un dinosaurio allí. Lo visualicé de verdad. Y me dije: “¡Qué interesante! Un elemento tan fantástico en un lugar así… Sería genial poder plasmarlo”. Hay algo de banalidad, si se quiere, pero también algo mágico en todo ello. La idea me surgió así, sin más.
¿Y los dinosaurios? ¿Te apasionan?
A muchos nos encantan los dinosaurios, sobre todo de niños. Mi padre, por ejemplo, estaba obsesionado con ellos. Soñaba con ser arqueólogo. No lo consiguió, pero siempre leía libros sobre el tema. Veíamos juntos películas de Ray Harryhausen, como El valle de Gwangi, y muchas otras parecidas, King Kong, etc. Siempre pensé que sería genial intentar hacer una película sobre dinosaurios, pero no sabía cómo. Digamos que estaba en mi lista de deseos, y pensé: “Quizás algún día lo consiga”.
¿Fue difícil poner en marcha el proyecto?
¡Para nada! Escribí el guion en un abrir y cerrar de ojos, principalmente para mí, pero luego empecé a compartirlo con mis colaboradores habituales, y a todos les entusiasmó, lo que me motivó enormemente. Después, hay proyectos que evolucionan más lentamente y otros que fluyen sin problemas. A veces sucede así. En este caso, primero le ofrecimos el papel a Anne [Hathaway], quien aceptó al instante. Y luego llegaron Bad Robot de J.J. Abrams y Ewan [McGregor], y todo empezó a moverse en un abrir y cerrar de ojos. ¡Increíble!
¿Cómo fue la participación de Bad Robot en el proyecto y cuál fue la contribución de J.J. Abrams, considerando su trayectoria profesional y su fuerte conexión con la ciencia-ficción?
Él y su equipo quedaron encantados con el guion y nos brindaron un apoyo increíble. Tal entusiasmo lo hace todo mucho más estimulante y resulta fundamental al abordar un proyecto tan complejo. Por un lado, necesitábamos actores fantásticos para que la historia resultara creíble: la de una familia con dramas constantes y personajes reales, con los que realmente nos encariñáramos. Pero también teníamos que asegurarnos de que el espectáculo estuviera garantizado, que, gracias a los efectos visuales, estos animales prehistóricos que deambulaban por el vecindario parecieran reales. Así que su apoyo y experiencia fueron incalculables, fantásticos y tranquilizadores. Fue fantástico. Y luego, como una reacción en cadena, nos confiaron a un supervisor de efectos visuales verdaderamente excepcional y a Industrial Light & Magic.
Dado que tus películas anteriores se ambientaban en contextos y situaciones más realistas, ¿te costó acostumbrarte a este tipo de lenguaje cinematográfico, que, imagino, requería un tipo diferente de efectos especiales y, por lo tanto, probablemente, un enfoque distinto para la realización?
En realidad, no. No es que no hubiera dificultades. Una película siempre es un reto. Pero, en general, me divertí. El enfoque, en cierto modo, siguió siendo el habitual. Por ejemplo, era crucial que la película se rodara, en su mayor parte, en una localización real, es decir, en un barrio real. El equipo me apoyó en esto. Encontramos un barrio realmente fantástico, que nos hizo sentir como en casa. Era importante que el lugar donde viven nuestros personajes, las calles de los alrededores, los patios, las casas, los jardines, todo fuera real.
¿Por qué?
Porque sabía que los dinosaurios ya serían una creación. Así que no quería superponer algo artificial sobre un elemento artificial que ya existía. Los bichos tenían que insertarse en un entorno real. Lo más novedoso para mí fue la planificación, porque una película como esta requiere una planificación mucho más minuciosa desde el principio. Lo bueno es que me gusta planificar y diseñar.
Veo que volviste a trabajar con Mike Gioulakis.
Es un director de fotografía extraordinario y una persona maravillosa con quien trabajar. Nos divertimos mucho planificando estos escenarios, las secuencias de acción, los momentos de interacción, los momentos de peligro y todo lo demás. Trabajamos con nuestros artistas de storyboard y luego pasamos a la previsualización, pero al principio, la clave siempre es la misma: usar nuestra imaginación para preguntarnos: ¿dónde queremos colocar la cámara? ¿Cómo la movemos? ¿Qué podemos hacer para que la escena sea interesante, única y emocionante, y para evocar la emoción que buscamos? Puede empezar con un boceto. Empieza con unos monigotes y luego se convierte en un precioso guion gráfico. Puede ser una animación rudimentaria y evolucionar hasta convertirse en una animación sofisticada. En ese momento, estamos en el set interactuando con actores fantásticos, como Anne Hathaway y Ewan McGregor, cuyos talentos hacen que la escena sea tan creíble que realmente te la crees. Así que, volviendo a tu pregunta anterior, no diría que es difícil, pero sí un reto.
Solo por curiosidad: desde tu primer largo, El mito de la adolescencia, tus películas han tenido una estética recurrente de los 80. ¿Qué te gusta de esa década a la que sigues volviendo?
Depende. Es una mezcla confusa de los 80, los 90 y otras épocas. Tanto It Follows como El mito de la adolescencia también parecen películas de principios de los 2000, aunque intentamos infundirles una atmósfera que, hasta cierto punto, era casi la de principios de los 90. Me parece fascinante difuminar los límites de una época y hacer que ciertas películas parezcan atemporales. Sin embargo, El final de Oak Street se ambienta realmente en los años 80. Hay menos elementos difusos o anacronismos, aunque los dinosaurios ya son un anacronismo en sí mismos. No obstante, si elegí los 80, en este caso, es porque crecí en esa época y hay algo de esa nostalgia. Es simplemente mi recuerdo de cuando era niño, de cómo me sentía en mi barrio y la relación con mi familia y ciertas dinámicas familiares. Así que no es autobiográfica, pero el recuerdo y los sentimientos de esa época son, creo, probablemente la razón principal por la que la ambienté en esa época.
¿Y cuál es tu método de trabajo con actores y actrices? ¿Disfrutas trabajando con ellos? ¿Qué importancia tienen para tu trabajo?
Son fundamentales; sin ellos, no podría hacer nada. Poder trabajar con talentos como Anne y Ewan es increíblemente gratificante. Lo siento, no sé qué más añadir, salvo que la relación con los actores es fundamental.
No me expresé bien… Quería decir si te sientes más cómodo trabajando con profesionales consagrados, como en este caso o en Lo que esconde Silver Lake, o con actores noveles, como en El mito de la adolescencia o, en su momento, en It Follows.
Ese no es el punto. Obviamente, contar con alguien con mucha experiencia es bueno y útil. Pero hay una amplia gama de talentos y personas en diferentes etapas de sus vidas, y todas son importantes según el contexto. Simplemente depende del proyecto y del rol dentro de la película. Y en ese sentido, no tengo preferencia. Se trata de trabajar con personas que considero talentosas, cuyo trabajo me muero de ganas de ver y que creo que realmente encarnan los personajes que quiero crear. En mi primera película, la mayoría del elenco —no todos, pero una buena parte— eran principiantes. En resumen, era su primera película. Me gusta llamarlos “no profesionales”, pero eran estudiantes de secundaria o universitarios de los suburbios de Michigan. Y todos tenían talento, y su enfoque para esa película fue perfecto. Así que todo depende del proyecto.
¿Y qué hay de la fase de escritura? ¿Prefieres escribir o dirigir?
Me encantan ambas etapas, y por diferentes razones. Me gusta poder alternar entre ellas. Son dos facetas distintas de mí, si me entiendes. Cuando escribo, simplemente escribo, y lo hago todos los días, todo el día. Incluso los fines de semana. Paso tiempo con mi esposa, veo un poco a mi familia, pero en realidad estoy totalmente inmerso en esto. No sé cómo explicarlo, pero es como un espacio divertido, casi mágico, donde me abro a las ideas y me siento muy creativo. Todos mis momentos de vigilia giran en torno a ideas, conceptos y diálogos, y a cómo expreso esas ideas. Por eso me entrego por completo. Escribo bastante rápido, así que lo plasmo todo en papel. No estoy rodeado de mucha gente cuando escribo; es una actividad solitaria, pero la disfruto mucho. Es decir, una parte de mí lo adora, pero por otro lado, no quiero estar en ese estado todo el tiempo. No sería sano.
Y entonces lo compensas con el rodaje…
Sí, porque dirigir es una experiencia increíblemente social. Hablas con todo el mundo, te comunicas y compartes ideas, haces lluvia de ideas, viajas por el mundo, buscas localizaciones y espacios inusuales e interesantes. Incluso ahora, por ejemplo, mientras preparamos mi próxima película, buscamos localizaciones y deambulo por sitios como un hangar de aeropuerto y otros lugares extraños. Sin entrar en demasiados detalles, recuerdo haber pensado: qué vida tan interesante es poder encontrarse en estos lugares insólitos, de forma totalmente aleatoria, todos los días. Ese es uno de los aspectos del cine que más disfruto: tener acceso a lugares a los que de otra manera nunca irías, y luego está la interacción con los actores, la construcción de las escenas y ver cómo las cosas cobran vida.
¿Y el montaje?
Igual, aunque es una fase intermedia entre escribir y dirigir. Es un poco más limitada, un poco menos social. Pero también me gusta esta fase en la que, como director, se trata de hablar de tu trabajo, como estoy haciendo ahora mismo contigo.
It Follows se convirtió en una de las principales películas de culto de principios de los 2000 y ayudó a impulsar tu carrera. Por eso con Lo que esconde Silver Lake había grandes expectativas, pero desafortunadamente no tuvo el éxito comercial que se esperaba, ¿qué esperas de El final de Oak Street y del público?
¡Dios mío, hablar de expectativas siempre es complicado! Quiero decir, realmente amo esta película, creo firmemente en ella. Espero… creo que al público le gustará. Pero en cuanto a expectativas, creo que es una tontería pensar que sabes algo con absoluta certeza, o creer que sabes algo. Así que solo espero que al público le guste.
Pero, ¿qué importancia tiene para ti la opinión del público? ¿Es más importante hacer las películas que amas, independientemente de su recepción, o sufres de ansiedad escénica?
Bueno, si lo ves así, mentiría si dijera que no me importa. Pero la respuesta real es que depende de la película. Depende. Mi enfoque cambia de una película a otra y de las diferentes maneras de interpretarlas en términos de expectativas, por supuesto, pero también en términos de lo que intento obtener de ellas. Es decir, lo que quería de Lo que esconde Silver Lake era diferente de lo que quiero de El final de Oak Street. Repito, estoy muy orgulloso de esa película. Me encanta, y para mí lo importante era hacerla, aunque sin duda me hubiera gustado que la viera más gente. Eso no cambia el hecho de que estoy feliz de que la hayamos hecho. En cuanto a El final de Oak Street, las expectativas son diferentes. Se trata de intentar hacer algo que realmente me importe, algo a lo que un público más amplio pueda responder adecuadamente. Hay un impulso diferente cada vez. Depende de la película, de su alcance, del género y de lo que me propongo lograr. Pero todo es igual de importante. Creo que esa es la mejor respuesta que puedo darte.
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